Arte en equipo
Muéstrame que me habitas
Respírame, cuélate entre mis huesos, atraviesa mis costillas y siente mis latidos
Báñate en mi sangre,
Muéveme bruscamente, despiértame
Ponte mis pies, camínalos, apresúralos.
Detenlos una y otra vez. Tómate de mi boca, saboréame.
Espíate en mis ojos y mírate
Ahí estás
Esta es la forma que puedo darte
Quédate en mí, duérmete apenas, si quieres
No me abandones
Somos la forma de lo invisible.
Marcela González
Patricia Fernández de Cieza presenta OSCILANTES en A Hotel Art Gallery
En palabras de la artista, la serie es parte del proceso de obra de los últimos años, la búsqueda se profundiza en la morfología, partiendo de la geometría cruda al balance orgánico, sutil, con una estética minimalista, a mano alzada, es un lenguaje que danza en el lienzo, un inminente roce un delicado equilibrio para evitar el derrumbe, una tensión que no estresa, sí que deleita pacíficamente en una paleta que ya es identidad en mi lenguaje visual y que ofrezco al espectador, sin ninguna ambición de poder, para que el genere su propia historia.
Grabados de Myriam Oro – Lala Samiento
SI TE VIERA GARAY tiene un puntapié inicial en el año 2023: la obra
“La Ciudad de la Furia”, trabajo en equipo de las artistas Miryam Oro y Lala Sarmiento.
Toda la muestra evoca a la ciudad de Buenos Aires e intenta denunciar el ocultamiento de la belleza de la arquitectura urbana y de su cielo bajo el descontrol de los tendidos de cables de
servicios.
Se exhibe obra gráfica individual de ambas artistas, obtenida a través de impresión de matrices confeccionadas básicamente con materiales de descarte del consumo. Si bien las estampas se ejecutaron
con técnicas y procedimientos artesanales ntradicionales, las matrices son ejecutadas con remanentes de
material para pisos de PVC y radiografías, y reutilizando envases de Tetrapak, aportando al pensamiento o conciencia sobre el
consumo y el valor de los residuos.
Trinidades toma su nombre de una serie de obras realizadas por la artista quién, inspirada en la obra “Universo” del monje budista japonés Sengai Gibon, logra sintetizar la esencia del pensamiento Zen en las formas geométricas básicas. Alejandra
apela a la improvisación apoyada en una composición dinámica que, más allá de cualquier interpretación, constituye un relato rizomático donde todo se multiplica en clave de tres. Una obra compleja en su estructura interna, pero visualmente simple, que invita a ser transitada de manera orgánica y meditativa. Una estructura que revela la dualidad de las relaciones entre espacio y tiempo. Donde es posible la conexión del espectador con su propio espacio trascendental de manera profunda y significativa, en armonía con el universo y su totalidad.
A. Repetto Escardó – Fragmento –
Sus obras invitan al espectador a entrar en un estado de contemplación, a experimentar y participar en el diálogo silencioso entre el artista, la obra de arte y el espectador. Un espacio donde el silencio se convierte en una forma de comunicación, un lenguaje sin palabras que habla a través de formas, colores y texturas. El vacío que trae el silencio, la mente activa en estado de contemplación y el proceso creativo están intrínsecamente entrelazados en el trabajo de Alejandra Repetto Escardó, cada uno alimentando y enriqueciendo al otro en un ciclo continuo de creación. Es este enfoque único y reflexivo hacia el arte lo que hace que su trabajo sea tan cautivador y resonante.
María Paula Micheli, Directora Creativa, Sparclick Creative Agency, CA. – Fragmento –
Cristina Portela en A Hotel Art Gallery
“Átomos en el espacio” 2015-2021), “El viento sopla donde Quiere” (2021- 2022) y “De noche el agua sueña que es Aire” (2022-2024). Distintas pero no tanto, todas transitan la oscuridad y una cierta extrañeza. El clima es de inquietud y el relato se presenta inacabado. Algo no se deja ver, empero se intuye que explota, que crece y se expande .
Partículas vuelan y despiertan grises azulados desde la negrura silenciosa de una paleta acotada y fría. Todo parece estar en viaje hacia ningún lado. Transparencias y algún fuera de foco. Todo se cae pero también flota. Algo perturba real o imaginado. Mares, cielos y flora pueblan estas obras sin coordenadas de tiempo ni espacio, operan como metáforas de lo inconcebible. Inmensos, inabarcables nombramos estos territorios sin poder asirlos desde una escala humana. Solo nos quedan la voz y los nombres. El aire y el agua son protagónicos y en su ciclo vital recorren noches estrelladas. Son uno y en la amalgama nos invitan a mirar estas piezas desde la factura oscura allí donde otro Olán se activa y nos redime. Surge una pequeña calma y en la profundidad celeste doló átomos volando.
Nos acerca a un artista obsesivamente aficionado a la luz y al agua, aún más interesado en los reflejos y las sombras que el objeto en sí. No compone las escenas, las encuentra, las destaca e intenta que sigan siendo figurativamente accesibles. En sus palabras, nunca estoy lejos de escapar a una mayor abstracción, es que el casi impresionismo que puede resultar de la película fotoquímica, y su despixelación, siguen encantándome.
En esta instancia Jean-Christophe nos introduce a un paseo por la ciudad de Buenos Aires observando sus rincones y su magia.
J-C Beauvais
El artista visual Pablo Butteri tiene un vinculo visceral con la naturaleza, generando obras de un marcado movimiento visual, orgánicas, donde seres abstractos gravitan en el espacio que los contiene, laberintos y nudos, sales y carbones (hollín), vidrios y siliconas crean un micro mundo cuasi monocromático, enigmático, encantador, que invita al espectador a recorrer paisajes poco claros que se adentran en profundidades densas entre humos y proyecciones audiovisuales.
Fragmento de texto A convertation with Pablo Butteri. Sculpture Magazine por María Carolina Baulo
K.Stein. Wabi Sabi es un conjunto de pinturas, que sólo llevan el eco de la rigurosidad geométrica en los módulos que lo conforman, pero que carga una multiplicidad de nuevas experiencias, como la sutileza, el vacío, la incertidumbre y su propia materialidad. Las obras, que ahora son monocromas, están realizadas con tinta sumi, acrílico y agua. Sztein da inicio a la acción a partir de ese último elemento: el agua impone el curso de la tinta y el acrílico, como si ese espacio en el que puede moverse el pigmento o el aire que se puede respirar se mezclaran con la artista, la hicieran más liviana y pudieran llevarla.
La filosofía zen afirma que, frente a lo lleno, el vacío constituye una entidad viviente. En estas obras, dado que la artista decide no abarcarlo todo, el papel cobija la experiencia pictórica, pero, a su vez, sus propias cualidades -como la íntima textura o el blanco roto de su superficie- cobran un protagonismo abrumador. Un silencio que inquieta, pero invita a ser atravesado.
Julieta Pons – Fragmento –
B. Carniglia. Bárbara explora con sus obras un espacio que le pide al observadorunos segundos extras de detenimiento para poner a prueba lo que está viendo o cree ver.
Los triángulos no construyen ángulos, las rectas generan vías que quedan truncas perdiéndose en medio de la tela sin llevar a ningún destino, las circunferencias – salvo casos excepcionales – no están constituidas de manera sólida sino que, distintos trazos, permiten encontrar dentro de ellas, nuevas formaciones. Algo que si es pregnante a la vista es la preponderancia de la figura circular que en todos los casos, organiza las composiciones. Pero también es evidente que cada trabajo opera con una lógica propia de asociaciones entre figuras inorgánicas que se entrelazan revelando un mundo de geometrías al fin. Está en la observancia detenida, en esos segundos extras, destinados a mirar, el descubrimiento de la falta, la manifestación de la incompletud, de la incerteza reinante. Esos segundos lo son todo: frente a lo que cerramos y asignamos etiquetas, los trazos se detienen y señalan que es la mente que intenta entenderlo todo para soportar la infinita levedad del ser, parafraseando a Kundera.
María Carolina Baulo – Fragmento –
M.F. Ruiz. En “Circularidades” el hilo se entrelaza a sí mismo permitiendo un tejido continuo, a través de la técnica del crochet y también en el bordado.
La línea cobra máxima importancia en un trabajo bidimensional en el que el tiempo-espacio se transforma.
El tema de la línea predomina en todos los trabajos, que si bien se caracterizan por la técnica del bordado sobre papel, tiene su origen en el dibujo.
Previo al bordado, se imprimen sobre el papel diferentes fotografías circulares de objetos textiles (de mi autoría), de tamaños variables. Sobre la base de esos “puntos” de realizan los dibujos y luego se bordan.
Pienso en el “punto” en sus diversas manifestaciones: como forma, como imagen fotográfica, como elemento generador de la línea (bordada) y como el origen de estos dibujos que connotan imágenes oníricas netamente poéticas.
María Fernanda Ruiz
M. Aquilio. Estos trabajos sensibles para los sentidos, piden ser tocados, seducen con su suavidad y sus colores, pero develan al mismo tiempo un conflicto. La estructura geométrica los trae a la realidad de manera ordenada y limpia, intentando suavizar y trasmutar la brutalidad del ciclo de la vida, la belleza salvaje de la naturaleza que nos atrae y nos inquieta al mismo tiempo.
Mariela Aquilio
Luego de varios años me reencuentro con obras que estuvieron guardadas en un letargo silencioso. Si bien muy distintas a mi proceso creativo actual, encuentro que ellas se imponen con gran vigencia y siguen siendo parte de mi recorrido como artista, resuenan, continúan hablando. Al tomar distancia y volver a verlas tiempo después, veo en estas imágenes disfrazadas de inocencia, cómo se renueva su razón de ser. Entiendo entonces que algo me están diciendo y que es buen momento para volver a exhibirlas.
En palabras de María Carolina Baulo: “Nada en la obra de la artista queda librado al azar; aún los encuentros casuales y fuentes de inspiración circunstanciales, atraviesan un tamiz riguroso antes de quedar inmortalizados en la tela.
Porque dejar que el entorno afecte la obra no es lo mismo que hacer de ella un terreno de lo aleatorio: la reflexión fundamenta las composiciones, siempre.
Es así como Betina aborda cada serie disponiendo de una interesante amplitud de recursos plásticos y formatos donde la pintura y el dibujo se entrelazan con lo digital (…)
Porque al saber que no hay respuestas univocas, que se desconocen los fines ulteriores y deseos inconscientes, cuando se está convencido que se dice mucho habilita el fluir, el aflorar de lo desconocido. ella transita ese camino donde no pide ni da respuestas porque no las tiene o no quiere darlas, porque intuye que no son nunca las correctas. Entonces pinta, silenciosa, atenta, tendiendo a través de su pintura un cable a tierra, llena de preguntas.”
Betina Pietro
